Crítica de cine: Experimenter: la historia de Stanley Milgram, de Michael Almereyda

Anoche aparqué momentáneamente las series para ver una película que me interesaba mucho desde su estreno (pasó bastante desapercibida cuando se estrenó a finales de agosto de 2016), Experimenter: la historia de Stanley Milgram. Un filme sobre los experimentos sociales de Milgram sobre el comportamiento humano, a principios de la década de 1960 mientras trabajaba/investigaba en la Universidad de Yale, y que se realizaron en paralelo al juicio de Adolf Eichmann en Jerusalén, considerado el "ingeniero" o el "arquitecto" de la Solución Final nazi, el exterminio de los judíos europeos durante la Segunda Guerra Mundial. La figura de Milgram (1933-1984), personaje peculiar, psicólogo social que se abrió a la multidisciplinariedad y que creó experimentos de corte sociológico sobre el comportamiento humano y que tambiñen ahondó en el concepto de los seis grados de separación. Judío y de padres inmigrantes de orígenes rumano y húngaro, el Holocausto fue algo que le tocó de cerca, pues en su familia muchas personas acabaron en los campos de la muerte, y en sus estudios sobre la obediencia a la autoridad quedó siempre subyacente el tema del exterminio nazi y en cómo sus perpetradores lograron la colaboración, coercitiva o voluntaria, de toda una sociedad. En la película, Milgram asiste prácticamente "en directo" al juicio de Eichmann y, como Hannah Arendt, reflexionará sobre la participación del individuo en un asesinato en masa.

Canciones para el nuevo día (2299/1528): "Somebody's Baby"

Jackson Browne - Somebody's Baby

Disco: Fast Times At Ridgemont High Music from the Motion Picture - soundtrack (1982) 

Canciones para el nuevo día (2298/1527): "Your Love"

The Outfield - Your Love

Disco: Play Deep (1985)

 

Canciones para el nuevo día (2297/1526): "Rapture"

Blondie - Rapture

Disco: Autoamerican (1980) 

Crítica de cine: El amante doble, de François Ozon

Sucede a veces que una película acaba teniendo más valor por el modo de presentar algo que por contar algo; o al menos contarlo con un tono sostenido, con buen ritmo, en función de un guion sólido y que llega a un clímax que deja no sólo buen sabor de boca sino que además es convincente. A veces también sucede que una película, que en el fondo no deja de ser pura imagen, se recrea en lo visual y juguetea con la misma de manera que la trama puede supeditarse a ella o, por qué no, ser netamente prescindible. El riesgo de caer en ello es importante, desde luego, y se puede caer en un mero postureo visual en el que el director acaba “pasando” del guion, de la palabra –ojo, que un guion no tiene por qué constar única y necesariamente de palabras, de diálogos, sino que también puede estar elaborado a partir de imágenes–; entonces es cuando, se dice, todo un castillo de naipes –de imágenes, en este caso– se hunde y cae por tierra. También puede suceder, cómo no, que un exceso de “verbosidad”, una serie de diálogos y palabreos encadenados asfixien una historia y la conduzcan a la inanidad. O una combinación de estos y otros aspectos. Un ejemplo es Grand Piano (Eugeni Mira, 2013), portentosa película con guion de Damien Chazelle (ya sabéis, el director de Whiplash y La La Land) que construye de manera preciosista y paulatina una trama muy interesante y que, en sus últimos veinte minutos, cae estrepitosamente, hasta el punto de que uno se lamente por lo magnífica película que habría sido si hubiera seguido por esa línea que parecía ir a un buen final. Otro caso, no tan dramático, es La mejor oferta (Giuseppe Tornatore, 2013), en la que, en cuanto al elemento visual, el espectador puede acabar sufriendo un particular síndrome de Stendhal cinematográfico y en la que el desarrollo y especialmente la resolución de la trama se ven venir a legua. Lástima, se dice quien esto escribe, pues estamos antes dos estupendas películas… fallidas, como El amante doble, lo último de ese director tan inclasificable como es François Ozon, quizá de los pocos o el único que ha trabajado con las grandes actrices del cine francés de los últimos cincuenta y sesenta años.

Canciones para el nuevo día (2296/1525): "Don't Leave Me This Way"

Thelma Houston - Don't Leave Me This Way

Disco: Any Way You Like It (1976)

 

Crítica de cine: Churchill, de Jonathan Teplitzky

Crítica publicada previamente en Fantasymundo.

O a mí me lo parece o últimamente asistimos a una Churchillmanía en el cine y la televisión. Un personaje como Winston Churchill bien lo vale, considerado por los británicos como el mejor primer ministro que han tenido en su historia. Un hombre que, con sus destacables luces y también sus muchas sombras, se ha erigido en un icono, incluso en el británico del milenio; un tipo con una personalidad arrolladora y una tenacidad a prueba de crisis y guerras; en momentos de emergencia nacional, nada como Winston para asumir las riendas del Gobierno. En la aclamada serie The Crown (Netflix, 2016-), John Lithgow compuso a un Churchill antológico, el primer primer ministro que tuvo Isabel II cuando accedió al trono en 1952, ya en un estado de salud muy débil pero que aún resistió tres años al frente del Gobierno. En la película para televisión Churchill’s Secret (ITV, 2015), Michael Gambon interpretó al Churchill de ese mismo período inicial de Isabel II y con una trama que se pasaba más o menos de soslayo en la serie: los meses del verano de 1953 en que estuvo ausente de Downing Street por los gravísimos problemas de salud, hecho que se ocultó a la opinión pública. En enero de 2018 está previsto el estreno en nuestro país de El instante más oscuro (dirigida por Joe Wright), película en la que Gary Oldman se pone en la piel de Winston Churchill en el trascendental mes de mayo de 1940, cuando fue nombrado primer ministro: el período en el que Winston Churchill se convirtió en el Winston Churchill icónico que ha pasado a la historia; podemos anticipar que el guion, a cargo de Anthony McCarten, se ha convertido en un magnífico y muy recomendable libro que publicará la editorial Crítica este otoño. Pero llega ahora las salas de cine Churchill, dirigida por el australiano Jonathan Teplitzky.

Canciones para el nuevo día (2295/1524): "Never Can Say Goodbye"

Gloria Gaynor - Never Can Say Goodbye 

Disco: Never Can Say Goodbye (1975) 

 

Canciones para el nuevo día (2294/1523): "What a Fool Believes"

The Doobie Brothers - What a Fool Believes

Disco: Minute by Minute (1978)

 

Canciones para el nuevo día (2293/1522): "MacArthur Park"

Donna Summer - MacArthur Park
(la suite de 17 minutos)

Disco:  Live and More (1978)

Canciones para el nuevo día (2292/1521): "Too Much Heaven"

Bee Gees - Too Much Heaven

Disco: Spirits Having Flown (1979)

Canciones para el nuevo día (2291/1520): "Don’t Stop 'Til You Get Enough"

Michael Jackson - Don’t Stop 'Til You Get Enough

Disco: Off the Wall (1979)

Canciones para el nuevo día (2290/1519): "Don't Let Me Be Misunderstood"

Santa Esmeralda - Don't Let Me Be Misunderstood

Disco: Don't Let Me Be Misunderstood (1977)

 

Canciones para el nuevo día (2289/1518): "'S Wonderful"

Diana Krall - 'S Wonderful

Disco: The Look of Love (2001)

 

Canciones para el nuevo día (2288/1517): "You Can Leave Your Hat On"

Randy Newman - You Can Leave Your Hat On

Disco: Sail Away (1972)

 

Canciones para el nuevo día (2287/1516): "I Think It's Going to Rain Today"

Nina Simone - I Think It's Going to Rain Today

Disco: Nina Simone and Piano! (1969)

 

Crítica de cine: Tadeo Jones 2. El secreto del rey Midas, de Enrique Gato y David Alonso

Crítica publicada previamente en Fantasymundo.

En 2012 una película de animación española, Las aventuras de Tadeo Jones, se convirtió en una de las cintas taquilleras de aquel año. Partiendo de un personaje creado por Enrique Gato para un cortometraje y que tuvo una derivación en cómics, la película del buen Tadeo arrasó en taquilla (para los baremos del cine español) y logró el apoyo del público, triunfando después en los premios Goya de 2013. Ya se sabe que el taquillaje es un factor esencial para valorar una película, pero no por ello el más importante, y de hecho la película de Enrique Gato tenía sus déficits: una animación meritoria pero no especialmente destacable, un guion lleno de muchos lugares comunes, unos personajes secundarios demasiado exagerados (del guía peruano al que ponía voz José Mota con acento muy peninsular a unos villanos de cartón piedra y de desarrollo muy previsible), un exceso de referencialidad/parodia de Indiana Jones y una selección algo cansina de canciones (como contraste del buen score a cargo de Zacarías M. de la Riva) Pero la película acumuló suficientes méritos para como para ser tenida en cuenta y cumplió con lo que se supone que es un producto de animación y de entretenimiento para pequeños (sobre todo) y mayores. Gato repitió experiencia con Atrapa la bandera (2015) que aunque bien recibida por el público no pudo repetir el éxito de la cinta anterior, y eso que eran evidentes las mejoras en el grafismo. Una secuela del arqueólogo aficionado era de esperar y de este modo llega Tadeo Jones 2. El secreto del rey Midas (2017), película que ambiciona a superar a su antecesora. Y desde luego mejoras hay respecto aquel primer largometraje… y muchas.

Canciones para el nuevo día (2286/1515): "Man Of Constant Sorrow"

Soggy Bottom Boys - Man of Constant Sorrow

Disco: O Brother, Where Art Thou? - soundtrack (2000)

 

Crítica de cine: Verónica, de Paco Plaza

Crítica publicada previamente en Fantasymundo.

Paco Plaza y Jaume Balagueró le dieron una vuelta de tuerca al terror con una aportación muy personal del falso documental en la trilogía REC (2007, 2009 y 2012): películas que bebieron de cintas “clásicas” y que a su vez han sido exponente de la revitalización del cine de terror en nuestros lares. Un género tan poliédrico como irregular y que con las sagas Paranormal Activity y Expediente Warren corre riesgo de caer en la autoparodia con cada entrega que va llegando (bastante cansino fue el fenómeno The Ring y sus derivaciones). Plaza asume con Verónica un encargo, con guion de Fernando Navarro, y lo transforma en una película que transita por muchos lugares comunes, pero consigue darles un toque especial, personal incluso (en entrevistas ha declarado que hay mucho de autobiográfico en esta película). La etiqueta “basado en hechos reales” puede ser un incentivo pero también provocar que los espectadores huyan de las salas de cine. Es cierto que hay reminiscencias de casos como el de Vallecas (la joven Estefanía Gutiérrez Lázaro) o en 1992 el “poltergeist” de la calle Embajadores, un año antes. A partir de la inspiración de estos casos propios del programa Cuarto Milenio de Iker Jiménez, que dieron pie a algún que otro informe policial que no encontraba una causa “racional” ante unos hechos “inexplicables”, Verónica nos traslada a unos días del mes de junio de 1991.

Canciones para el nuevo día (2285/1514): "Flash Light"

Parliament - Flash Light

Disco: Funkentelechy Vs. the Placebo Syndrome (1977)