15 de julio de 2019

Crítica de cine: An Accidental Studio, de Kim Leggatt, Ben Timlett y Bill Jones

Crítica publicada previamente en el portal Fantasymundo.

Para el común de los mortales quizá las palabras Handmaid Films no le resulten conocidas; pero si digo La vida de Brian (Terry Jones, 1979) la cosa ya cambia. Y es que uno puede dejar de recordar la película de los Monty Python, que de principio a fin nos regala momentos cumbre: el sermón de Jesús (“¡bienaventurados los gansos!”), la lapidación del blasfemo, la pintada en el muro de la fortaleza romana (“¿gente llamada romanos ir la casa?”), el Frente Popular de Judea (o la burla de la división endémica de la izquierda: “¡idisidente!”), la discusión sobre qué han hecho los romanos por nosotros, Pijus Magnificus (Diggus Bockus, en el original), la parodia del mesianismo … y tantas otras secuencias magistrales de una de las grandes comedias que se han realizado en el cine. Sin embargo, la película de los Python corrió el serio riesgo de no realizarse: es más, la productora inicial, EMI Films, se “rajó” al conocer el guion (y habiendo empezado ya el rodaje en Túnez), que malinterpretó –no es una crítica de la fe religiosa, sino de la intolerancia y el dogmatismo religiosos– y se apartó del proyecto ante las críticas que temía que recibiría el filme cuando se estrenase… si es que se estrenaba. Los Python se quedaron sin financiación y hacían falta 3 millones de libras (de la época) para terminar el rodaje y encarar la posproducción y la promoción. La salvación llegó de la mano de George Harrison, integrante de los Beatles y un fan declarado de todo lo que hacían los Monty Python, quien, en colaboración con su mánager, Denis O’Brien, creó la productora Handmade Films –originalmente iba a llamarse Handmade British Films, “películas británicas hechas a mano”–, puso el dinero (Harrison hipotecó su casa) y permitió que viera la luz el que es, sin duda, el mejor filme del sexteto británico-estadounidense (la cuota de Terry Gilliam) y un hito en la historia del cine. 

Canciones para el nuevo día (2776/1995): "Gentleman Jack"

O'Hooley & Tidow - Gentleman Jack 

Disco: The Fragile (2012)

29 de junio de 2019

Crítica de cine: Rembrandt, de Kat Mansoor

Nota: este documental llega a las salas de cine como evento cinematográfico. Exhibidores como Yelmo, Grup Balañà y los Cines Verdi en Barcelona, lo emitirán los días 1 y/o 2 de julio, vinculado a una programación cultural especial; consúltese sus webs o en FilmAffinity para saber en qué cines se emitirá. 

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) es quizá el pintor neerlandés más popular y apreciado, y eso que en los Países Bajos abundan los artistas, especialmente en el siglo XVII. En este 2019 se conmemora por aquellas latitudes el 350º aniversario de la muerte de este pintor: entre los actos que se han celebrado, destacó una exposición (abierta hasta el pasado 10 de junio), All the Rembrandts, en el Rijksmuseum de Ámsterdam. Más cerca, en el Museo del Prado de Madrid, se inauguró esta semana una exposición, Velázquez, Rembrandt, Vermeer. Miradas afines (hasta el 29 de septiembre), en el marco de los fastos por su 200º aniversario y que, en colaboración con el mencionado museo neerlandés, establece una comparativa entre las obras de estos gigantes del arte, que además fueron coetáneos (Vermeer fue el más joven de los tres). Aprovechando esta coyuntura, y también como cierre de la Temporada de Arte en algunos cines, llega a algunas salas de cine este documental de 2014, que, con el título original. Rem­brandt from the Natio­nal Gallery and Rijksmu­seum, fue dirigido por Kat Mansoor, contó con la producción del ya veterano en este tipo de películas Phil Grabsky (que también participó en la escritura del guion), tuvo a Robert Lindsay como presentador/narrador y tomó como excusa argumental la exposición Rembrandt: The Late Works, presentada en la National Gallery de Londres y el Rijksmuseum de Ámsterdam en 2014 y 2015, y que, como indica su título, trata sobre las obras de los últimos años de vida de Rembrandt.

25 de junio de 2019

Crítica de cine: En los 90, de Jonah Hill


Crítica publicada previamente en el portal Fantasymundo.


A Jonah Hill (n. 1983) lo hemos visto crecer como actor: desde su debut en Extrañas coincidencias (2004), peculiarísima, película del (sobrevalorado) director David O. Russell, ha encadenado notables papeles en la comedia –Virgen a los 40 (2005), Supersalidos (2007), 21 Jump Street (2012) [estrenada en España como Infiltrados en clase] y su secuela 22 Jump Street (2014) [Infiltrados en la universidad]– con interpretaciones de altura en Moneyball (2011) y (especialmente) El lobo de Wall Street (2013), ha puesto la voz en numerosas películas de animación e incluso ha tenido alguna incursión en las series de televisión, como Maniac (Netflix: 2017). Siempre ha tenido el gusanillo de la escritura de guiones: así, parte del guion de 21 Jump Street es obra suya, por ejemplo; un filme que adaptó la serie televisiva protagonizada veinticinco años atrás por un joven Johnny Depp (la recordamos los que ya peinamos canas) y que es realmente divertido. Como todo actor con curiosidad que se precie, Hill tarde o temprano se pondría en las labores de la dirección. Lo ha hecho, encargándose del guion, además, en un filme de apariencia muy indie: En los 90.

Canciones para el nuevo día (2762/1981): "Shattered Dreams"

Johnny Hates Jazz - Shattered Dreams 

Disco: Turn Back the Clock (1988)

20 de junio de 2019

19 de junio de 2019

Crítica de cine: Men in Black: International, de F. Gary Gray

Crítica publicada previamente en el portal Fantasymundo.

¿Se están estrenando blockbusters por encima de nuestras posibilidades? Esta pregunta me la hice hace un par de días tras el pase de prensa de Men in Black: International. Repasemos el calendario: Glass (estrenada en enero), Alita: ángel de combate (febrero), Capitana Marvel (marzo), ¡Shazam! y Vengadores: Endgame (5 y 26 de abril, respectivamente), Aladdin (24 de mayo), X-Men: Fénix Oscura (7 de junio), Men in Black; International (14 de junio), Toy Story 4 (llegará el 21 de junio), Spider-Man: lejos de casa (5 de julio)… y lo que llegará en la segunda mitad del año. A estas alturas uno acaba agotado y con una saturación que, además, no permite un período de tiempo mínimo para digerir lo que se ha visto. Hace diez años, gran parte de esos blockbusters, con una promoción de semanas, por no decir meses, se habrían estrenado a lo largo de todo un año. Ahora salimos de uno de esos bombazos cinematográficos y prácticamente nos metemos en otro, y la máquina sigue en danza para seguir produciendo más y más películas que permitan que la cadena de montaje no se detenga y se sacien las exigencias (!) de un (segmento determinado del) público que (teóricamente) quiere más y más películas de este estilo. Pero, ¿realmente lo quiere, lo necesita y lo digiere?

Canciones para el nuevo día (2758/1977): "Sweet Harmony"

The Beloved - Sweet Harmony 

Disco: Conscience (1993)

 

17 de junio de 2019

Crítica de cine: La biblioteca de los libros rechazados, de Rémi Bezançon

Crítica publicada previamente en el portal Fantasymundo.

Durante unos años quien esto escribe fue lector profesional de libros de ficción: fueron muchos los manuscritos que leí y pocos los que valoré positivamente (hubo muchísima más paja que grano). Mi labor era esa, valorar un manuscrito, tanto desde el aspecto literario como el comercial: en función de esa primera valoración, a la que seguirían otras en el seno de la editorial, ésta decidía si publicaba el libro o no; que recuerde, dos de esas novelas se acabarían publicando, aunque no parece que tuvieran demasiado éxito de ventas (lástima). Las editoriales no son ONGs y no pueden publicar (lógicamente) todo lo que les llega y los rechazos de manuscritos, tras una valoración, son habituales. ¿Dónde acaban estos libros que no se publican? Quién sabe: es de suponer que muchos de ellos irán de editorial en editorial hasta que, quizá, encuentre un editor receptivo que ha visto algo que los demás no han visto (o valora algo que los demás dejan de lado) y publica el libro, y puede que sea la sorpresa del año… o de la década (añádanse los títulos que el lector de esta crítica considere). Pero es de suponer también muchos de estos libros rechazados acaben el olvido y nunca más se sepa de ellos.

Canciones para el nuevo día (2756/1975): "Love Action (I Believe in Love)"

The Human League - Love Action (I Believe  in Love)

Disco: Dare (1981)

11 de junio de 2019

Reseña de Ascenso y crisis. Europa 1950-2017: un camino incierto, de Ian Kershaw

Nota: la reseña se realiza a partir de la lectura del original en inglés, Roller-Coaster. Europe, 1950–2017, leído en mayo de 2018; por ello, las citas (traducidas al castellano por el autor de la reseña) y su paginación proceden de la edición original.

Una anécdota puede servir para ilustrar un estado de las cosas, del ánimo, en un momento determinado, y cómo las cosas han cambiado. En una nota a pie de página en el capítulo 9 (“Power of the People”, pp. 360-361 [«El poder popular» en la traducción castellana, pp. 383-425]), Ian Kershaw explica que estuvo en Berlín cuando «cayó» el Muro en la noche del 9 al 10 de noviembre de 1989, pero que se «perdió» el acontecimiento. Durante el curso académico 1989-1990 estuvo, acompañado de sus hijos David y Stephen –que sí vivieron in situ el momento en el que miles de ciudadanos de la RDA (República Democrática Alemana) cruzaron el Muro, es decir, la frontera, y visitaron la parte occidental de la ciudad– como profesor invitado en el Instituto de Estudios Avanzados de Berlín (Wissenschaftskolleg zu Berlin), y esa tarde-noche tuvo una reunión con un estudiante estadounidense para hablar sobre su tesis doctoral en un pub del Berlín Occidental, apenas a una milla de la Puerta de Brandeburgo y de aquellos sucesos históricos a ambos lados del Muro. Al regresar al piso en el que residía, su hijo Stephen le contó que el Muro había «caído» y que su esposa había llamado desde Reino Unido para decir que lo estaba viendo todo por las noticias de las nueve de la noche en la BBC. [1] A la mañana siguiente, «pasó» al Berlín Oriental junto con un amigo alemán y ambos vieron que los controles fronterizos en la Friedrichstrasse aún funcionaban y que, aparentemente, todo parecía ir como siempre. Cuenta también Kershaw una anécdota que refleja el clima de optimismo de esos días. Regresó en metro a Berlín Occidental y al salir a la calle en el zoo Bahnhof, un berlinés corrió hacia él y le estrechó en un abrazo de oso, diciéndole, emocionado: «tenga una cálida bienvenida al Oeste, ¿de dónde es usted?», a lo que el historiador británico respondió: «de Manchester, Inglaterra», momento en el que el ciudadano berlinés le soltó, como si tuviera la peste bubónica, y se fue corriendo a abrazar al siguiente «recién llegado».

Canciones para el nuevo día (2752/1971): " In Your Room"

The Bangles - In Your Room 

Disco: Everything (1988)


9 de junio de 2019

Crítica de cine: Klimt & Schiele, eros y psique, de Michele Mally

Crítica publicada previamente en el portal Fantasymundo.


Nota: este documental llega a las salas de cine como evento cinematográfico. Exhibidores como Yelmo, Grup Balañà y los Cines Verdi en Barcelona, lo emitirán los días 10 y 11 de junio, vinculado a una programación cultural especial; consúltese también en FilmAffinity para saber en qué otros cines se emitirá.


Gustave Klimt, Egon Schiele, Otto Wagner, Koloman Moser, Wilhelem List… son artistas que tienen algunas cosas en común. Para empezar, todos, de un modo u otro y con mayor o menor influencia, participaron en el movimiento artístico vienés conocido como la Secesión, fundado en 1897 y que trató de romper (el nombre era más que evidente) con un estilo artístico que consideraban estanco e incluso decadente, y pretendían especialmente renovar las artes en sus diversas vertientes: la arquitectura, la pintura, los carteles o la joyería y la artesanía, pasando por aplicaciones prácticas como el menaje de hogar o incluso las sillas. Encuadrado en el marco del modernismo, como gran movimiento artístico del período (con el Art Noveau como etiqueta que ha quedado ya fijada), y durante los años que son conocidos como la Belle Époque, que transita grosso modo entre la década de 1870 y el inicio de la Primera Guerra Mundial en 1914. Por otro lado, todos ellos fallecieron en 1918, en algunos casos a raíz de la pandemia de gripe, la mal llamada “gripe española”, que se extendió por prácticamente todo el planeta entre ese año y finales de 1920. Schiele, el más joven de todos ellos (apenas tenía 28 años cuando murió) falleció a causa de la gripe tres días después que su pareja, Edith, embarazada, el 31 de octubre de 1918. Con él murió una época en Viena, si es que los estragos de la Gran Guerra no la habían finiquitado un poco antes.

2 de junio de 2019

Crítica de cine: Rocketman, de Dextdr Fletcher

Crítica publicada previamente en el portal Fantasymundo.

Cuando se estrenó Bohemian Rhapsody (Bryan Singer [y Dexter Fletcher], 2018) las salas de cine emitieron entre los tráileres previos a la película un primer avance de Rocketman, película que aún tardaría siete meses en llegar a la gran pantalla. Fletcher se puso detrás de la cámara (esta vez desde el principio, sin tener que sustituir a nadie) y realizó una película que, con guion de Lee Hall, recrea la biografía de Reginald “Reggie” Kenneth Dwight (nacido en 1947), conocido en todo el orbe como Elton John, desde su infancia y hasta algún momento de los años ochenta; de hecho, el film se cierra con una versión “fílmica”, clavada al original, del videoclip que se grabó en Cannes para el tema “I’m Still Stand In”, grabado en 1983. 

[Nota curiosa: Taron Egerton, actor protagonista de este filme, ya hizo una versión de esta canción para la película de animación ¡Canta! (2016). Estaba destinado a interpretar a Elton John, sin duda, y quizá sea esa capacidad canora, junto con un cierto parecido físico, aunque a diferencia de Rami Malek en la película sobre Freddie Mercury, le sobra volumen respecto al Elton John de aquellos años setenta y ochenta.]