Crítica de cine: El cuaderno de Sara, de Norberto López Amado

Crítica publicada previamente en el portal Fantasymundo. 

En la selva del Congo, unos reporteros de prensa fotografían, ocultos en la arboleda, a una guerrilla en un rito de iniciación de niños soldados y recolectores de coltán. De pronto, entre los soldados armados y los jóvenes con el rostro enharinado, se ve a una joven de piel blanca. ¿Quién es’ ¿Qué hace allí? Los reporteros apenas pueden sacar una foto antes de poder huir, perseguidos por los soldados furiosos. Esa foto es la de Sara (Marián Álvarez), colaboradora de una ONG que despareció en el África Central hace unos años. Su hermano, Laura (Belén Rueda), viajará a Kampala (Uganda) para seguir el rastro de esa hermana que lo dejó todo, familia incluida –con un padre (Ramón Barea) ya con el síndrome de Alzheimer y a quien se evoca, de manera algo artificiosa, en un par de flashbacks–, para ayudar a los demás. Pero Sara se esfumó y su rastro será tan difícil de seguir para Laura como peligrosa para su propia será la misión a emprender. En la selva africana, entre grupos militares rebeldes sedientos de sangre y liderados por fanáticos generales que tratan de crear una imagen prácticamente legendaria, Laura conocerá de cerca la realidad de la zona y vivirá de cerca el dolor de sus gentes.

Canciones para el nuevo día (2400/1629): "Hurdy Gurdy Man"

Donovan's Week (V):
Hurdy Gurdy Man

Disco: The Hurdy Gurdy Man (1968)

 

Canciones para el nuevo día (2399/1628): "Season of the Witch"

Donovan's Week (IV):
Season of the Witch

Disco: Sunshine Superman (1966)
 

Canciones para el nuevo día (2398/1627): "Atlantis"

Donovan's Week (III):
Atlantis

Disco: Barabajagal (1969)

Canciones para el nuevo día (2397/1626): "Mellow Yellow"

Donovan's Week (II):
Mellow Yellow

Disco: Mellow Yellow (1967)

 

Canciones para el nuevo día (2396/1627): "Rock and Roll Souljer"

Donovan's Week (I):
Rock and Roll Souljer

Disco: 7-Tease (1974)

Crítica de cine: Call Me by Your Name, de Luca Guadagnino

Crítica publicada previamente en el portal Fantasymundo.

Pocas películas han generado tanta atención en redes sociales como Call Me by Your Name –¿por qué se mantiene el título original en inglés cuando tranquilamente se podría traducir como Llámame por tu nombre?–, la película de Luca Guadagnino que, estrenada hace un año en el Festival de Cine de Sundance, finalmente llega a las salas españolas. Una película que, a priori, podría provocar más de una polémica en este mundo tan políticamente correcto de hoy en día: la historia de amor (y de sexo) de un adolescente de 17 años con un estudiante universitario (muy) mayor de edad, y que transcurre en la casa familiar del muchacho en el norte de Italia. Sea como fuere (la controversia sería bastante fútil), con esta cinta, más que de una historia de amor homosexual, lo que tenemos es un drama sobre el autodescubrimiento personal y la tolerancia. Y eso, amigos, sí que es mucho más destacable.

Crítica de cine: C'est la vie!, de Olivier Nakache y Éric Toledano

Crítica publicada previamente en el portal Fantasymundo.

El cine francés goza desde hace décadas de un saludable equilibrio entre la taquilla y la crítica, sobre todo en aquellos productos más de tipo mainstream. Y tiene lo que quizá el cine español no acaba de conseguir: una industria consolidada, con apoyo estatal y que es capaz de generar éxitos que son vistos por millones de espectadores y son fácilmente exportables a otros países; incluso generan más de uno (y de dos, y de tres…) remakes por parte de las productoras de Hollywood a la caza de ideas (a menudo les faltan): quién no recuerda, por ejemplo, Tres solteros y un biberón (Coline Serreau, 1985) y en el remake (sin tanta gracia ni trasfondo social) estadounidense, Tres solteros y un bebé (Leonard Nimoy, 1987). Más recientemente la pareja de directores Olivier Nakache y Éric Toledano directamente lo “petaron” con Intocable (2011), película que no sólo llenó las salas francesas, sino también las de prácticamente todos los países en las que se estrenó, logrando rentabilizar su discreto presupuesto (en clave europea, claro) de 9,5 millones de euros y transformarlos en 360 millones de taquillaje, cosechando premios dentro y fuera de Francia, abriendo la puerta a varios remakes en otros países y convirtiendo a Omar Sy, especialmente, y a François Cluzet en estrellas. Un pelotazo como éste es difícil de repetir, pues son tantas las expectativas generadas en películas de estos dos directores y en otras claramente identificables con su cine, que la respuesta puede ser “meh, no es como Intocable. Así, Samba (2014), de nuevo con Sy acompañado esta vez por Charlotte Gainsbourg y Tahar Rahim, no cumplió las ansias de los espectadores que se acercaron a una sala de cine a verla. Tampoco parece que ambos directores vayan a reeditar los laureles con su película más reciente, C’est la vie! (2017), que, pásmese el espectador hispano, no es el título original de la cinta –Le Sens de la fête, “el significado (o el sentido] de la fiesta”–, sino una adaptación sui generis que quizá algún distribuidor algún día nos explique. 

Crítica de cine: Sin amor, de Andrey Zvyagintsev

Crítica publicada previamente en el portal Fantasymundo.

El director ruso Andrey Zvyagintsev se ha establecido como una de las principales figuras de la cinematografía rusa en los últimos años y no siendo precisamente un cineasta cómodo para el régimen de Vladimir Putin; buena muestra de ello es Leviatán (2014), su anterior cinta, ganadora del Globo de Oro a mejor película de habla no inglesa y nominada a los Oscars de ese año en la misma categoría, y que diseccionaba la corrupción institucionalizada en la Rusia actual. La mirada social, de hecho, siempre ha estado presente en el cine de Zvyagintsev: ya su debut como director, El regreso (2003), planteada a modo de una road movie a través de la deshabitada Siberia, muestra influencias del cine de Andréi Tarkovski. Con Sin amor (Нелюбовь en cirílico), de este modo, se da un paso más en la radiografía de la sociedad rusa, centrándose en esta ocasión en el egoísmo personal y sin sean necesarias demasiadas sutilezas en diálogos, silencios y ambientaciones de bosques nevados y ríos gélidos.

Canciones para el nuevo día (2395/1624): "Hush"

Deep Purple - Hush

 Disco: Shades of Deep Purple (1968)

Canciones para el nuevo día (2394/1623): "Just Can't Get Enough"

Depeche Mode - Just Can't Get Enough

Disco: Speak & Spell (1981)

 

Reseña de Hué 1968. El punto de inflexión en la guerra del Vietnam, de Mark Bowden

Esta reseña parte de una lectura del original en inglés.

La batalla de Huế (31 de enero-3 de marzo de 1968) —a grandes rasgos, el libro de Bowden termina con la reconquista de la Ciudadela o el Palacio imperial de Huế el 25 de enero y la retirada de las fuerzas atacantes de Vietnam del Norte una semana después— formó parte de las operaciones militares que, bajo el epígrafe de la “Ofensiva del Tet”, llevaron a cabo el Ejército de Vietnam del Norte y el Frente Nacional de Liberación de Vietnam [del Norte] (FNLV) –conocido popularmente como el Vietcong– como invasión de la República de Vietnam (del Sur) y que tomó por sorpresa tanto al ejército survietnamita como a las fuerzas estadounidenses –oficialmente, meras aliadas del Ejército de la República de Vietnam (ERVN). La Ofensiva se alargaría, en sus tres fases, hasta finales del verano de 1968 y acabaría siendo una derrota operacional de Vietnam del Norte. Pero también fue una victoria pírrica para unos Estados Unidos que, con un presidente Lyndon B. Johnson que no optaría a la reelección, el asesinato de Robert Kennedy, quien pudo ser el candidato demócrata a las elecciones de noviembre, y un clima de oposición creciente a la participación estadounidense en la guerra de Vietnam, comenzaría a plantearse la necesidad de retirarse del Sudeste asiático ante una sensación de que la guerra librada, como así acabó sucediendo, no sería ganada. Bowdense centra en la fase I de la Ofensiva, en la que la contrainteligencia vietnamita logró despistar a las fuerzas estadounidenses. La batalla por Huế sería uno de los objetivos principales de esta primera fase y se convertiría, en los siguientes veinticuatro días, en un escenario de combate sin cuartel, calle a calle, edificio a edificio, que no se recordaba desde Stalingrado durante la Segunda Guerra Mundial.

Canciones para el nuevo día (2393/1622): "Ain't Got No, I Got Life"

Nina Simone - Ain't Got No, I Got Life 

Disco: ’Nuff Said! (1968) 

 

Canciones para el nuevo día (2392/1621): "Anyone Who Knows What Love Is (Will Understand)"

Irma Thomas - Anyone Who Knows What Love Is (Will Understand)

Disco: Anyone Who Knows What Love Is (Will Understand) - single (1964)

 

Reseña de The Doomsday Machine: Confessions of a Nuclear War Planner, de Daniel Ellsberg

[Notas entre corchetes, al final de la reseña].

Al final de la película Marea roja [Crimson Tide] (Tony Scott, 1995), y antes de los créditos finales, se sobreimpresiona sobre pantalla un mensaje, que es el colofón a una trepidante historia ambientada en un submarino estadounidense equipado con armamento nuclear y en el que estalla un motín. El mensaje reza lo siguiente (traducimos): "Desde enero de 1996, la principal autoridad y la capacidad para lanzar misiles nucleares ya no quedará en los comandantes de los submarinos de los Estados Unidos... el control principal residirá en el Presidente de los Estados Unidos". ¿La causa? Ante una crisis internacional, en la que unos rebeldes rusos se han hecho con el control de varios submarinos nucleares y amenazando con utilizarlos, el sumergible estadounidense se ve en la “necesidad” de efectuar un ataque preventivo. El comandante de la nave, el capitán Ramsey (Gene Hackman) es quien tiene el poder de decisión, que deberá ser ratificado por el oficial que tiene acceso a las armas nucleares, y quiere lanzar el torpedo. Su segundo al mano, el teniente Hunter (Denzel Washington), es más cauto y prefiere esperar a que se confirme un mensaje cifrado que ha quedado interrumpido. La película escenifica la lucha entre dos opciones, lanzar o no lanzar armas que provocarán una reacción en cadena que conducirá a un holocausto nuclear, que es paralela a una disputa en la cadena de mando. Finalmente, se recibe un mensaje que anuncia la derrota de los rebeldes rusos y que no se autoriza un lanzamiento; todos los tripulantes del submarino respiran, se han salvado de iniciar una guerra mundial devastadora. El mensaje que aparece al final de la película incide en un aspecto poco conocido para el público en general: los comandantes de submarinos estadounidenses con capacidad para utilizar armamento nuclear ya no tendrán la autorización principal para hacerlo, sino que estará únicamente en manos del presidente de la nación. Como demuestra Daniel Ellsberg en este libro, dicha autoridad única por parte del presidente de los Estados Unidos ha sido y sigue siendo una falacia: uno de los principales temores, y puntos a analizar en este libro, es la diversidad de personas que tienen autorización para lanzar misiles con cabezas nucleares. ¿Cuántos dedos controlan el botón rojo?, denuncia Ellsberg.

Canciones para el nuevo día (2391/1620): "Ay, doctor"

Maná - Ay, doctor

 Disco: Revolución de amor (2002) 

Crítica de cine: Los archivos del Pentágono, de Steven Spielberg

El 13 de junio de 1971 el periódico The New York Times comenzó a publicar algunos extractos de un extensísimo informe clasificado por el Departamento de Defensa (varios miles de páginas), encargado por el ex secretario Robert McNamara con fines internos y académicos (a priori). El informe, que con el tiempo sería conocido como “los papeles (o archivos) del Pentágono”, contenía un relato histórico muy detallado sobre la implicación de Estados Unidos en Vietnam entre 1945 y 1967, demostrando que varias Administraciones (de Harry Truman a Lyndon B. Johnson), habían mentido al pueblo estadounidense al ocultar las intenciones de intervenir en dicho territorio de Indochina y, además, al declarar sistemáticamente, desde que los “observadores” de la época de Kennedy se convirtieron en soldados enviados a combatir con Johnson en el poder, unos progresos que distaban de ser reales; en pocas palabras, que la guerra estaba perdida, se luchó más bien para evitar una humillación y la consecuencia fue que se sacrificaron decenas de miles de vidas de soldados americanos, además de, por supuesto, las de los combatientes vietnamitas (de ambos países) y centenares de miles de civiles (cuando no millones), en un conflicto que Estados Unidos nunca pudo ganar. La Administración Nixon, que tenía sus propios planes para acabar con una guerra que se había prometido terminar tres años antes (y que vio, en cambio, como se extendió a países como Laos y Camboya hasta 1973), contratacó acudiendo a los tribunales federales para bloquear la publicación de más extractos del informe. Un tribunal federal ordenó el cese de las publicaciones, pero otro juez federal anuló dicha orden, y el Times recurrió al Tribunal Supremo. Al mismo tiempo, el discreto periódico The Washington Post, propiedad de la familia Graham, inició el 18 de junio su propia publicación de extractos del informe; el Gobierno emprendió una demanda que un juez federal que rechazó la pretensión de Nixon y sus abogados de impedir la publicación del Post. El Gobierno recurrió también al Tribunal Supremo, que convocó a ambos medios en una sesión el 26 de junio. Los periodistas apelaron a la defensa de la Primera Enmienda (que garantizaba la libertad de expresión y de prensa); el Gobierno, a la seguridad nacional.

Canciones para el nuevo día (2390/1619): "Bad Girls"

Donna Summer - Bad Girls

Disco: Bad Girls (1979)

Canciones para el nuevo día (2388/1617): "Reach Out, I'll Be There"

Gloria Gaynor - Reach Out, I'll Be There

Disco: Never Can Say Goodbye (1975) 

Crítica de cine: Tres anuncios en las afueras, de Martin McDonagh

Crítica publicada previamente en el portal Fantasymundo.

Una mujer conduce por una carretera (muy) secundaria de camino a casa, a las afueras del pueblo en el que vive. Tres vallas de anuncios permanecen vacías y como si no se hubiera ninguno en décadas (¿quién pasa por allí para verlos a menos que se haya perdido o sea idiota?, se comenta un par de veces). La mujer tiene una idea, contratar las tres vallas para insertar unos anuncios durante un año, y la pone en práctica. La sorpresa vendrá cuando los anuncios sean tres interpelaciones directas a un caso criminal no resuelto aún y al sheriff local encargado de la investigación: “Violada mientras moría”. “Y todavía sin detenciones”. “¿A qué espera, jefe Willoughby?”. La mujer que ha puesto los anuncios es Mildred (Frances McDormand), madre de la chica violada y asesinada (quemada viva), y el caso sigue abierto siete meses después sin que haya visos de que se pueda resolver (apenas hay un rastro de ADN que dé pistas de las que tirar). Una “madre coraje” se ha cansado de esperar respuestas (y justicia) y dirigirá sus dardos tanto contra el jefe de policía de Ebbing (Missouri), Bill Willoughby (Woody Harrelson), como respecto a la inoperancia de su cuerpo de agentes, entre los que destaca el violento y lenguaraz Jason Dixon (Sam Rockwell). La película es Tres anuncios en las afueras –traducción parcial de Three Billboards Outside Ebbing, Missouri–, escrita y dirigida por Martin McDonagh y se ha convertido (y va a serlo también por nuestros lares) en el fenómeno en la carrera hacia los Óscars que nos acompañará en los próximos dos meses. Y quien esto escribe lo secunda: es una película magistral (y eso utilizo con cuentagotas este adjetivo, pues detesto la banalización que surge de la proliferación de “obras maestras” aparecidas cada dos por tres); de lo mejor que he visto y con la que mejor me lo he pasado en bastante tiempo.